¿De qué va la exposición de artistas latinoamericanos contemporáneos en Nueva York?

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    El Museo de Artes y Diseño de Nueva York acaba de inaugurar una de las más grandes retrospectivas al arte contemporáneo y diseño latinoamericanos que se haya visto en años recientes y aquí te decimos de qué se trata. El Museo de Artes y Diseño de Nueva York ha seleccionado a 75 diseñadores, artistas, artesanos y colectivos para formar parte de la exhibición New Territories: Laboratories for Design, Craft and Art in Latin America, que se enfoca en las colaboraciones innovadoras e interdisciplinarias, así como en la nueva dirección de la producción creativa que se ha desarrollado en Latinoamérica desde el año 2000. Lo interesante de la exhibición es que planea ser una muestra de las inquietudes latinoamericanas y su diálogo con el arte y el diseño. Claro que, cualquier conjunto de obras implica una clasificación, es decir, una discriminación, de tal manera que un intento de representar en un grupo “el arte y diseño representativos de Latinoamérica” puede verse con sospecha. Lo cierto es que la intención es un buen pretexto para conocer artistas latinoamericanos que no teníamos en el radar. La exhibición está organizada por Lowery Stokes Sims. New territories es parte de una iniciativa del Museum’s Global Maker, que incluye una serie de exhibiciones lanzadas en 2010 con el Global Africa Project que resalta la creación de ciertas partes del planeta que generalmente son subestimadas por los programas museísticos tradicionales.

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    Ekeko Triptico, 2010–2012 Chiachio & Giannone
    La curadora afirmó que en el “En MAD, estamos comprometidos con explorar la producción a través de todas las disciplinas creativas y, New Territories, en su enfoque y ambición, logra mezclar una amplia muestra significativa de habilidades, técnicas, herencias y creatividad, revelando la universalidad de la artesanía, ya sea practicada por un diseñador profesional o alguien que trabaje desde una larga tradición artesanal”. Una de las cosas que la exhibición mejor logra es “mostrar el el compromiso de los diseñadores y artistas de Latinoamérica para trabajar con artesanos indígenas para preservar sus habilidades como reflejo de su herencia nacional. Muchas de estas colaboraciones resultan en nuevos trabajos dinámicos que abordan un amplio rango de problemas de cada región, desde la producción y la mercantilización (commodification), la urbanización, la migración forzosa y la sustentabilidad”.
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    Ligero Mirror model 01, 1996 Nada Se Leva (André Bastos & Guilherme Leite Ribeiro)
    Otro de los enfoques interesantes de la exposición es que propone la existencia de núcleos creativos (hubs) que radican en diversas ciudades latinoamericanas, y no sobra decir que estas ciudades son precisamente lo que llamamos centros: ciudades donde radican los poderes, o muy pobladas o urbanizadas, etc. Otra razón para ver con sospecha esta “muestra” de lo mejor del arte y diseño contemporáneos latinoamericanos en Nueva York es que ni debate, ni problematiza la producción de arte en el centro y la periferia. Amén de lo que podamos pensar del criterio de selección de las piezas, es cierto que esta muestra tiene el valor de darle difusión a propuestas de artistas latinoamericanos y nos da la oportunidad de conocerlos y discutirlos.
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    Guitarra, 2013 Pedro Reyes
    La exhibición se divide en los siguientes bloques: Caracas, Venezuela (conversations with artistic legacies) Esta sección se enfoca en Caracas, Venezuela, en donde los artistas están integrando diseños en su trabajo que son centrales en la historia cultural y estética de su país. En Caracas, el artista Pepe López incorpora el fuerte legado venezolano del arte geométrico en Geometrías marginales (2014), una instalación de pared que ubica la geografía de los barrios más pobres en Caracas conocidos como “ranchos”. En el mismo camino se encuentran artistas como Leo Caporte, Deborah Castillo y Carolina Tinoco.
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    Tulip Bolts Chair, 2013 Leo Capote
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    Geometrias marginales, 2014 Pepe López
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    Panton Catuche, 2013-2014 from the RED (Redesign, Reinvent, Redeem) Initiative Carolina Tinoco
       São Paulo/Rio de Janeiro, Brazil (upcycling and repurposing objects) Los trabajos en esta sección exploran el upcycling (el proceso de convertir materiales de desperdicio o productos sin uso en nuevos materiales de mejor calidad o mayor valor ambiental), como una práctica artística dinámica y que se ha vuelto relevante con rapidez, particularmente en Sao Paulo y Río de Janeiro, Brasil. Esto está ejemplificado, en esta exhibición, en el trabajo de Rodrigo Almeida, quien une arte y diseño y remezcla elementos preexistentes en nuevas formas. Está también Zanini de Zanine y su silla MOEDA (2010), creada de una hoja de metal cuyo propósito era convertirse en monedas. Por otro lado, está también la diseñadora Mana Bernardes, cuyo acercamiento al reciclaje de plástico está ilustrado en su lámpara Môbiluz (2011). Otro que entra muy bien en esta sección es el diseñador francomexicano Thierry Jeannot quien creó su Green Transmutation Chandelier (2010) de botellas recicladas.
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    Servant Lamp, from Slaves Series, 2013 Rodrigo Almeida
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    Môbiluz, 2011 Mana Bernardes
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    Green Transmutation, 2010 Thierry Jeannot
       Santiago, Chile/Buenos Aires, Argentina (cultivating collectivity and experimentation) Santiago y Buenos Aires emergen como epicentros en donde los artistas experimentan nuevas formas de narración a través de la creación de objetos. El colectivo gt2P que radica en Santiago, resalta los problemas alrededor de la producción en Latinoamérica, fusionando la artesanía tradicional con nuevas tecnologías en un ambicioso proyecto llamado Losing My America, en la que se investiga la producción híbrida digitalizando el trabajo de artesanos. Mientras tanto, vacaValiente y Satorilab, de Buenos Aires, han creado trabajos que examinan la narrativa del diseño como un elemento transformador en la sociedad latinoamericana explorando la noción del juego. También se incluyen trabajos del diseñador Angello Bassi.
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    Krina 2014 from the series Losing My America, 2014 gt2P
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    Kangaroo, 2005 vacaValiente
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    Robot Naturito, from the series Collection La Ninez en Juego, 2007 Satorilab
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    Cubotoy, 2013 Angello García Bassi
      San Salvador, El Salvador/San Juan, Puerto Rico (developing new markets) Los trabajos en esta sección demuestran cómo la escena incipiente del arte contemporáneo en San Salvador, El Salvador y San Juan, Puerto Rico trabaja colectivamente para llevar el diseño a la vida de su público logrando crear un mercado a través de la educación, el trabajo y la interacción social. Lo trabajos de los artistas seleccionados aquí reflejan la vibrante ambición de centros de diseño emergente y al mismo tiempo esbozan su inspiración a través de su estilo de vida local.
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    Canasto Lamp, 2013 José Roberto Paredes
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    Carlos Bobonis Colorado | Joint Coat Rack, 2012
      Havana, Cuba (navigating personal and civic spaces) Los trabajos reunidos en esta sección abordan el proceso de reclamar espacios públicos y la dignidad personal en el siempre cambiante ambiente político en Latinoamérica. El fotógrafo cubano Ernesto Oroza muestra su serie Architecture of Necessity la cual documenta cómo los ciudadanos usan el retrofit en estructuras y objetivos para solucionar necesidades comunes. En esta sección también se encuentra La Plaza Vacía (2012), un video del artista cubano Coco Fusco y Fin de Silencio (2010) de Carlos Garaicoa, una instalación de tapetes tejidos con patrones de pavimento, así como diseños textiles que exploran las narrativas de género de la diseñadora peruana Lucía Cuba.
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    Alamar, from the series Architecture of Necessity, 2005 Ernesto Oroza
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    The Empty Plaza/ La Plaza Vacia, 2012 Coco Fusco
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    Cancha, 2012 part of the series Fin de Silencio II Carlos Garaicoa
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    Artículo 6, from the series Artículo 6: Narratives of gender, strength and politics, 2012-2014 Lucia Cuba
      Mexico City/Oaxaca, Mexico (moving craft into the future through collaborations with artists and designers) Esta sección explora la colaboración entre diseñadores y artesanos tradicionales que se usa como un tema prominente en la Ciudad de México y Oaxaca. La artista Liliana Ovalle trabaja con el Colectivo 1050º (un colectivo de alfarero tradicionales en Oaxaca) para crear obras que evocan agujeros urbanos (espacios vacíos que emergen abruptamente en el suelo). Los diseñadores Carla Fernández y Raul Cabra (Oax-i-fornia) también están en esta sección, ellos trabajan con artesanos de Puebla y Oaxaca respectivamente para crear diseños textiles para un mercado global que unifica la tradición con lo contemporáneo. Está también DFC, que trabaja con artesanos de diversas localidades para crear un inventario para su compañía de accesorios para hogar. De manera similar, la artista radicada en Rio de Janeiro, Maria Nepomuceno colabora con artesanos indígenas del norte de Brasil para crear sus esculturas biomorfas de tejidos intrincados.
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    Sinkhole No. 2 Olludo, 2013 Liliana Ovalle in collaboration Colectivo 1050º
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    Square Chamula Coat, 2014 part of the Estridentistas collection. Carla Fernández in collaboration with Taller Flora and Pascuala Sánchez
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    Blowfish Lamp, 2008 Raul Cabra, Lander Cruz, Serena Franklin, Lydia Davis, Emily Jan, Sarahi Garcia
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    Casual Dinnerware (2013), Orange Crush Fiberglass Wall Console (2013), Rosario Mirror (2013) DFC
      La muestra además tiene un programa académico y se ha lanzado una plataforma electrónica en donde se pueden encontrar videos, notas curatoriales y un mapa interactivo de los artistas de la exhibición. Así que, como muchos de nosotros no podemos volar a Nueva York a ver la muestra, aún hay formas de conocer las propuestas de estos artistas. Pueden entrar a la plataforma aquí.         Post y Contenido Original de : Sopitas

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